oBRA FINAL

 pROYEcTo final: retales y BODY ART

        

200X30

Este proyecto tomando la forma de una búsqueda personal me ha hecho descubrir cosas nuevas de mí  y me ha hecho crecer. Todo empezó por retomar de nuevo algo que descubrí el año pasado: body art. Pero que se quedó a medias y no se desarrollo ni se profundizó demasiado. 

 Para empezar mi proyecto se ha  basado en la teoría del caos ya que  el caos es algo de lo que nunca creo q me podre despegar. Y para darle alguna forma lo identifique con el movimiento de Brown en 

zig-zag. 

Volar como un pájaro quisiera,

alzar las alas y poder trepa.

El viento me acaricia la cara,

 percibo la olor de la libertad,

Mis alas se desenvuelven en las nubes,

mi respiración conspira con el universo.

Todo eso se fusiona sin temor.

Porque sabe su esencia.

Las cosas se conocen y saben q no pueden unas sin otras.

Al caos sin quererlo están sometidas,

buscando siempre un orden,

porque no saben que el caos es el síntoma de la libertad.

Este poema lo escribí en un día del caos. Y con el quiero confirmar que adoro el caos en su fondo y forma parte de nosotros y jamás podríamos negarlo.

Siguiendo con la explicación y a modo de una terapia del caos  introduje el segundo aspecto del proyecto : body art.  Basandome principalmente en Yves Klein.

“Larga vida a lo espiritual” afirmaba Klein. Su propósito de abarcar el arte como vida me llama mucho la atención. Un profesor de judo con tanta profundidad y sensibilidad artística. Y ya no me introduzco en  todo su recorrido artístico porque es lo más diverso e interesante. Pero si quiero decir que como el  padre del body paintings y sus maravillosas Antropometrías. La utilización de modelos  no era simplemente para pintar figuras, sino que buscaba formas para captar su esencia. Por eso pensó pintarlas de azul, y así, las modelos se convirtieron en sus pinceles. Las embadurnó de color y registró sus formas sobre la superficie de un lienzo. Estas pinturas que conciben el cuerpo como centro de energía física, sensorial y espiritual. Una estampa donde el controla pero no todo sin embargo inmediato se convierte en eterno.

 Mi proyecto manteniendo la técnica de body art se enfoca de manera diferente. Y es que comparto que no se pueda controlar todo a la hora de estampar con el cuerpo, pero si se puede hasta cierto punto. Y ese punto yo lo coloco en las luces y sombras. Esos términos muy importantes, quizás, en un cuerpo me interesan mucho. Por lo tanto después de realizar muchas pruebas me limité a un solo color: amarillo. Ese amarillo obtuvo varios tonos, del más claro al más saturado. Y las estampas no era una sola inmediata huella de cuerpo, sino varias empezando por el más claro al más saturado.

 Mucha meditación emplea para elegir las posturas, las luces y las sombras donde y como se situarían.  Por ese mismo motivo de poder concentrarme más en esos aspectos me concentré en un solo color.

  Y como una conclusión quisiera decir que al final  del proyecto vi las cosas de otra manera y todo lo explicado antes no me sirve lo único que queda es el resultado final. Y estoy contenta con este resultado. No, ya no me hace falta explicar el porqué de cada cosa. Ya lo que veo (es decir, mi proyecto) es algo tan claro y algo que tan claramente está en mi  trabajado y asimilado que no siento esa necesidad de explicarlo todo. Parece como la mirada de un mudo con otro mudo que se leen los labios. Las palabras se disuelven o de hecho desaparecen y queda una imagen congelada del instante donde se encuentran dos elementos. En definitiva me ha gustado mucho desarrollar este proyecto y hacer algo que no es sola mente bonito o que pueda gustar a la gente, sino algo mío propio que lo entiendo y con lo que creo que por primera vez me siento disuelta e identificada.

El camino lo he andado

Y he econtrado la libertad total.

He encontrado el orden

Ya que me disolví en el caos.

...detalle de proyecto

MOVIMIENTO BROWNIANO

Un aspecto de física quise introducir en este desarrollo que siempre me ha llamado la atención. El caos, nos acompaña durante toda nuestra vida. Creo que es tan corriente el hecho de encontrarnos un día envueltos en la frase No se por donde tirar, y en ese punto álgido de perdición una intenta rescatar el termino del orden y equilibrio. Ello me ha hecho reflexionar millones de veces. Y para darle una explicación razonable a este fenómeno de nuestras vidas me quiero referir a la Teoría del caos  y en concreto al movimiento Browniano en zigzag  

Este curioso hecho del movimiento en zigzag explica el movimiento de los átomos y partículas en todo objeto existente en la Tierra. Por lo tanto es algo que está vigente en todo lo que nos rodea y en  nosotros mismos. Así esta idea que siempre ha persistido en mi y me ha impujado introducir el cosido en mis trabajos.

YVES KLEIN....de nuevo siguiendo con el proyecto

“Larga vida a lo inmaterial!”

                

Nacido en 1928 y fallecido a la temprana edad de 34 años, se cuenta entre los artistas más originales y más relevantes del siglo XX y realizó toda su producción artística en el breve lapso de siete años. Así como es debido de destacar su afición a las artes marciales de Judo a la que dedico mayor parte de su vida obteniendo así el cinturón negro.

 Fue precursor de muchas de las prácticas y tendencias artísticas que llegaron a generalizarse como el happening y la performance; el Land Art o arte medio-ambiental, el arte corporal y elementos del arte conceptual habitan en su obra, cuya influencia perdura aún hoy. Su intrincada personalidad, que fluctuaba entre la extrema concentración y la total ausencia de límites, se refleja en su trabajo en el que monocromía y figuración, o espiritualidad y teatralidad, no se plantean como antítesis sino que, más bien al contrario, contribuyen a la finalidad suprema de Klein: abarcar la vida a través del arte.

Fragmento  del MANIFIESTO DE CHELSEA de Yves Klein

"Todo trabajo de creación es la representacion de una pura femnomenología"

Debido al hecho de que he pintado monocromos durante quince años,

Debido al hecho de que he creado estados pictóricos inmateriales,

Debido al hecho de que he manipulado las fuerzas del vacío,

Debido al hecho de que he esculpido con fuego y con agua y que he pintado con fuego y con agua.

Debido al hecho de que he pintado con pinceles vivos, en otras palabras, con el cuerpo desnudo de modelos vivas cubiertas de pintura: estos pinceles vivos estaban bajo la constante dirección de mis órdenes, del tipo «un poco a la derecha, ahora hacia la izquierda, de nuevo a la derecha, etc.» Al mantenerme a una distancia específica y obligatoria de la superficie a pintar he sido capaz de resolver el problema del desapego.

Debido al hecho de que he inventado la arquitectura y el urbanismo del aire (por supuesto, esta nueva concepción transciende el significado tradicional de los términos «arquitectura y urbanismo»), mi objetivo desde el principio era enlazar con la leyenda del Paraíso Perdido. Este proyecto se ocupaba de la superficie habitable de la Tierra a través de la climatización de inmensas extensiones geográficas mediante un control absoluto de la situación termal y atmosférica en su relación con nuestras condiciones morfológicas y físicas.

Debido al hecho de que he propuesto una nueva concepción de la música con mi «Sinfonía monotona-silencio».

ANATOMÍA DEL COLOR:

Yves Klein admirado de manera tremenda por mi parte. Dedicando su corta vida a una búsqueda de una vida espiritual a través del arte.       

Sus múltiples trabajos, cada uno diferente en técnica y propósito, te envuelven en una reflexión suspensa pero llena de sentido sintético pero desbordante. Podría hablar de cada uno de sus trabajos y esto no tendría fin...pero en concreto me quiero dedicar a su creación de ANTROPOMENTRIAS o sus pinturas realizadas con "pinceles vivientes". La realización con los pinceles vivientes consistía en servirse del cuerpo embadurnado de color de modelos desnudas para hacer el cuadro. La modelo actuaba directamente sobre el soporte, imprimiendo limpiamente la huella del pecho, el abdomen y los muslos frente a frente con el papel, o bien, extendiendo el color con todo el cuerpo, moviéndose o revolcándose sobre la superficie extendida en el suelo. Una inversión del trabajo artístico que tenía el efecto de una revelación. Ya que el cambio de  la condición pasiva de la modelo en la pintura a se convertía en agente activo surgiendo así un sorprendente universo estético.

 El día 9 de marzo Klein realizó una actuación en vivo con tres modelos en la Rive Gauche de París y otra pero de Pintura al fuego:

Estas atropometrías no fueron limitadas, sino desarrolladas. Trabajó las estampas en negativo pintando alrededor del cuerpo dejando el cuerpo como un hueco en blanco. También algunas estampas 

dotó de mayor personalidad añadiendo rostros y la cabeza.

El primordialismo de las antropomentrias descubría nuevos rendimientos del poder del azul.Lo cual considera el principal objeto de su obra,y repspecto a  ello afirma lo siguiente:

"Es lo que más se  sumerge en la sensibilidad cósmica"

ejercicios de clase

Trabajo de clase nª6

                                                               Trabajo de clase nª5

Mario Perniola: "El arte y su sombra"

Este libro “pequeñito pero matón” como lo llamaría yo, es una especie de profunda y elaborada crítica del  Arte actual. Atraviesa barreras muy delicadas entre conceptos filosóficos y los  tenues límites de lo que es el arte, el artista y el público. A veces se trata de una crítica positiva y otras bastante negativa. Pero sobre todo bajo mi punto de vista  pone bajo juicio conceptos extremos y contradictorios. De hecho así empieza el discurso:

El “Shock” de lo real. Y se habla de dos términos artísticos que persisten en el Occidente actualmente: la apariencia, que se podría comprar con la estética y la perfección, algo puramente “bonito”; y la experiencia de lo real, obras que producen un enfrentamiento  puramente chocante a lo que se refiere la percepción del espectador, pretende causar ese shock. Y de este modo esos dos términos siempre están en lucha y ninguno es combatido.

El realismo así se disuelve en las “categorías de asco”  o la muerte y el sexo, propuestas por Los activistas vieneses.  Y a la misma vez ese realismo se podría situar en tres escenarios según Lacan:

Simbólico, imaginario y real. La cuestión ahora es  ¿Cómo permanecer en el escenario de lo real?... y Lacan asimismo afirma que el arte no puede pertenecer a lo real sino siempre a lo imaginario.

A parte de disolverse en las categorías de asco y diferentes escenarios, la extremidad del realismo abarca otros terrenos como la moda y la comunicación. La moda asimismo trastorna la fuerza de lo real y la comunicación  nunca puede disolverse en el arte porque tiene infinidad de interpretaciones.

A continuación el filosofo y escritor Roland Barthes se plantea lo siguiente:El placer como el gozo y la obra como el texto. Es decir el gozo ,admite el, que puede estar ligado al masoquismo, como a la moda así como al dolor. Y yo digo que de este modo cualquier deseo humano podría ser el goce, así como estar hambriento. La cuestión es que el texto es autónomo e independiente de la subjetividad de quien habla o de quien escucha, de quien lee o escribe. Se cumple asi un cambio importante para la estética: el paso del “yo siento ” al de “se siente”. Todo el ámbito de la afectividad y de sensibilidad se disloca en el espacio neutro del texto.

En ese espacio neutro es donde también se coloca la objetividad según Barthes, o la llamada “époje” o suspensión.

Sex – appeal de lo inorgánico otro de los determinantes para clasificar nuestro arte actual: en este caso viene siendo  El realismo psicótico : El naturalismo se ha radicalizado.!!!! Tanto en la literatura, como en el arte(los accionistas vieneses) y sobre todo en el cine y en el video. Pero también  hay que decir y no siempre lo que vemos es cierto ya que se puede manipular hoy en día cualquier cosa por ordenador, así se puede decir que la electrónica es la que liquida el naturalismo.

“Despues de lo moderno aparece lo posmoderno, ¿y después de lo posmoderno?”…..pues ya se verá no?...Aquí se discute mucho la diferencia entre lo moderno y postmoderno; y otro aspecto al que yo nunca había prestado atención, y es que constantemente estamos comparando el presente con el pasado dándole al presente un carácter subestimado y humillado frente al pasado. Y se proclama liberarse de esa atadura al pasado para poder avanzar…

Y ahora podría hablar sobre Warhol y su cinismo, o de  Nicolas Philibert y su cine para sordos,

o de la filosofía y el arte de Lyotard que decía:“El pensamiento es una arte porque  desea hacer “presentes” los otros pensamientos que esconde y no piensa. En el arte como en el pensamiento, hay un objetivo: el deseo de significar hasta el límite la totalidad de los significados.”…etc,etc. Este discurso podría ser infinito desembarcando en cada instante en otras ramas humanísticas, pero iré concluyendo con la Internacional situacionista de Debord  y su sociedad del espectáculo, en la que explica la mutación que el capitalismo hace del pensamiento a través del espectáculo (la apariencia, la imagen), como sustrato ideológico de dominación.               

 Precisamente ese espectáculo tenemos actualmente y al que hay que prestar la El placer como el gozo y la obra como el texto. Es decir el gozo ,admite el, que puede estar ligado al masoquismo, como a la moda así como al dolor. Y yo digo que de este modo cualquier deseo humano podría ser el goce, así como estar hambriento.   La cuestión es que el texto es autónomo e independiente de la subjetividad de quien habla o de quien escucha, de quien lee o escribe. Se cumple asi un cambio importante para la estética: el paso del “yo siento ” al de “se siente”. Todo el ámbito de la afectividad y de sensibilidad se disloca en el espacio neutro del texto.

En ese espacio neutro es donde también se coloca la objetividad según Barthes, o la llamada “époje” o suspensión.

Sex – appeal de lo inorgánico otro de los determinantes para clasificar nuestro arte actual: en este caso viene siendo  El realismo psicótico : El naturalismo se ha radicalizado.!!!! Tanto en la literatura, como en el arte(los accionistas vieneses) y sobre todo en el cine y en el video. Pero también  hay que decir y no siempre lo que vemos es cierto ya que se puede manipular hoy en día cualquier cosa por ordenador, así se puede decir que la electrónica es la que liquida el naturalismo.

“Despues de lo moderno aparece lo posmoderno, ¿y después de lo posmoderno?”…..pues ya se verá no?...Aquí se discute mucho la diferencia entre lo moderno y postmoderno; y otro aspecto al que yo nunca había prestado atención, y es que constantemente estamos comparando el presente con el pasado dándole al presente un carácter subestimado y humillado frente al pasado. Y se proclama liberarse de esa atadura al pasado para poder avanzar…

Y ahora podría hablar sobre Warhol y su cinismo, o de  Nicolas Philibert y su cine para sordos,

o de la filosofía y el arte de Lyotard que decía:“El pensamiento es una arte porque  desea hacer “presentes” los otros pensamientos que esconde y no piensa. En el arte como en el pensamiento, hay un objetivo: el deseo de significar hasta el límite la totalidad de los significados.”…etc,etc. Este discurso podría ser infinito desembarcando en cada instante en otras ramas humanísticas, pero creo que iré concluyendo con la Internacional situacionista de Debord  y su sociedad del espectáculo, en la que explica la mutación que el capitalismo hace del pensamiento a través del espectáculo (la apariencia, la imagen), como sustrato ideológico de dominación. Y creo que esa es la preocupación pero eso en el arte, en la política y en todo. Un gran grado de apariencia es lo que hemos dominado bien durante los últimos años. 

 "Nos hemos disuelto en una relación entre individuos, mediada por la imagen"afirmaba Debord. Y es eso que es necesario de recuperar la autenticidad y lo real, pero las dos cosas sin extremos, que lo extremo es algo en lo que es fácil recaer. Y tampoco me refiero hacia atrás en el tiempo cuando digo recuperar. Sería un recuperar nuevo y positivista, porque ya decía Van Gogh el más desgraciado de los artístas en vida :

   ¿Qué sería de la vida, si no tuviéramos el valor de intentar algo nuevo? 

comentario : Markus Lüpertz

Markus Lüpertz (1941)

 Nacido en  Reichenberg, actual Liberec (Republuca Checa), es un pintor, escultor  y escritor aleman, vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo. 

  El público atorga a Lupertz un papel de autor excetrico que no tiene miedo de correr su propio culto del genio, si uno traza los caminos de desarrollo de su trabajo, recibe la corrección de este dandy suplemento, actitud elegante y una actitud anti-burguesa de la soberanía artística rigurosa. Y así lo entiende la crítica pictórica cuando, en los setenta, y sobre todo, en los ochenta colocan a Lüpertz en un puesto de alta responsabilidad en el arte del momento, con retrospectivas en los museos más importantes del mundo (el Reina Sofía), premiándolo con galardones y homenajes y encumbrándolo a la dirección de la Kunstakademie en Düsseldorf.

 El vídeo que vimos en clase me gustó bastante ya que nos permite ver como pinta el autor en su estudio. Aunque debo de reconocer que me choco al principio e incluso me produjo rechazo su forma de trabajar tan despreocupada, con el lienzo tan poco tensado y las formas tan agresivas de usar la pintura; pero tengo que reconocer también que tiene una magia especial y puramente y autentico espitiru de lo pictórico que te hace rechazarlo y a la misma vez gustarte. 

 El vídeo por lo tanto nos deja asomarnos a su más sagrada privacidad. Y ahí vemos un artista que parece pintar como si fuera un instinto, cabreándose, expulsando todo lo que siente; pintando y repintando el mismo cuadro. Cada día va cambiando el mismo cuadro; y dice que acaba cuando la obra le dice que no se puede seguir más.  Esto demuestra una actitud totalmente y fielmente expresionista. Esa actitud se observa también en la escultura que realiza; traslada sus pinturas a escultura. Observamos la misma paleta de colores en escultura y las formas.

 En definitiva quiero decir que me resulta homogénea y equilibrida el aura de toda su obra que reivindica el azar y lo casual; expresión interior, que no necesita explicación ninguna ya que de por sí vibra en ella una fuerte vida propia que desborda la superficie en que habita. 

  

muy pero que muy interesante!!!

   "SALTAR AL VACÍO" ....quizas deberíamos desconfiar de
toda la metafísica que había rodeado históricamente nuestra experiencia de lo real.


http://www.zonezero.com/magazine/zonacritica/saltaralvacio/index03sp.html

Siguiendo con el proyecto...del caos...

  A continuación presento unas cuantas pruebas de estampas de body Art. Teniendo en cuenta que las estampas crean unas texturas muy interesantes es muy importante eligir una soporte adecuado. Mi idea de soporte era tela de saco, pero realizando algunas pruebas no se aprecia para nada el efecto.Por ello experimenté sobre unos tablex dm:

 "prueba 0"

"prueba 1"

"prueba 2"

"prueba 3"

MAURIZIO CATTELAN

SARCASMO DESBORDANTE: Maurizio Cattelan

 Artista nacido en Padua (Italia) en el año 1960. Cattelan no obtuvo ningunos estudios artísticos. Trabajo como cocinero, albañil, vigilante...  Pero es cierto que se trata sobre uno de los artístas más polemicos del panorama artístico actual. Se puede verlo en sus obras como "Hitlen rezando", una representación magnífica, que transforma el contexto en el que se encuentra por completo y altera y distorsiona las ideas de cada uno. Otra de sus obras fue cuando colocó en la puerta del MOMA a un tipo disfrazado de Picasso dando la bienvenida a los visitantes del museo a modo de mascota cabezuda de Disneyland. 

 La siguiente de sus intervenciones sonadas tuvo lugar en 1999 en la galería Anthony d´Offay, donde instaló una réplica del monumento Mail Lin de Washington, en la que sustituyó los nombres de las víctimas de la guerra de Vietnam por las derrotas de la selección inglesa de fútbol. Esta obra me resulta una muy buena crítica a los americanos, que se han

acostumbrado primero a crear guerras en los países occidentales y luego poner maravillosos monumentos en memoria de sus soldados que habían muerto. Y en segundo lugar una quizas polémica ofensa a los "futboleros" ya que todos tenemos que reconoces que el Fútbol es el mayor negocio mundial. Por lo consiguiente Maurizio Cattelan nos muestra de una manera cómica y a la vez triste temas social-políticos que persisten en nuestra sociedad. Aunque todo disimuladamente mantiene un espíritu sarcástico en su interior se esconden unas cuestiones y problemas muy importantes que le preocupan. Por ello me resulta un matiz muy necesario en el arte; Basta ya de sangre, mutilaciones, dolor, horror, desagrado,etc. Tal como nos mostraron los accionistas vieneses. O el gran Manzoni con sus latas de mierda que se vendían como diamantes. Creo que ya ha llegado la hora para el humor en el arte, para cambiar las cosas de manera constructiva y positivista tal y como hace Cattelan. No me resulta ofensivo ninguna de sus obras. Y todas me producen una aunque sea leve pero sonrisa y como decía Gran cómico Charlie Chaplin: 

"Nunca te olvides de sonreír porque el día que no sonrías será un día perdido."             

  "Hitler rezando"

"Ardilla suicida"

Insustancial: JEFF KOONS

JEFF KOONS

 ¿Que me parece este Artista?...

 Para empezar quiero resaltar que se tratará de una opinión totalmente subjetiva y personal. Y sobre todo no pretendo subestimar el arte de nadie. Solamente no se objetivar.

 Nacido en Estados Unidos y ligado por completo a un arte de masas y al pop-art y a lo fetiche. Jeff Koons trabaja en un principio en temas bastante "pornográficos", lo que al mayor publico americano le agradó. Luego de repente se vuelca en lo infantil, dedicando una serie a su hija, la que se llevó su primera mujer.Algo con lo que quizás yo podría empatizar o al menos entender; A continuación se dedica a unos collage donde sigue hablando de la sexualidad,de la mujer y de la publicidad. Esto puede resultar un resumen despectivamente leve sobre una vida, una vida de artista y su Arte. Pero así es como percibo su manera de mostrar su arte. Aunque también debo decir que observo un aspecto bastante positivo y necesario en este autor : minuciosidad y capacidad de observación de los pequeños detalles; su fijación en los dibujos publicitarios y aquello lo que le sugieren esos dibujos. Por lo tanto con esto se aprecia una singularidad en Koons. Pero bajo mi consideración este aspecto no basta para ser Artista. 

 En su ultima etapa realiza los collage. El proceso de creación consiste en que Koons desarrolla una idea, hace recortes de revistas y hace bocetos de los collage; sin embargo después de esa idea mental el Artista no mueve ni un dedo para llevar a cabo esa idea, solo ordena al equipo de unas 10 personas que mezcle colores, que pinte, que haga montajes en el ordenador, etc. Por lo tanto creo que este hecho se desemboca en una cuestión, y se pone bajo el juicio ¿ que es un artista? 

 Si tienes dinero y una idea, por lo tanto eres artista. Me resulta frívolo, insustancial y superficial esta manera de reproducir arte. Este aspecto no puedo empatizar. Y me sorprende que persista este sistema en el arte. Que el consumismo haya llegado tan lejos dentro del arte.

 Me resulta repugnante que un crítico del arte se sorprenda por la perfección de la obra de Koons de Perro rojo de globo, diciendo que su acabado es la perfección suprema; y es que aquí no se tiene en cuenta que Koons no realizó un trabajo de muchos meses en su estudio puliendo el hierro para que quede perfecto, sino que unos trabajadores le cortaron, le soldaron,le lijaron y le pintaron esa escultura perfecta. 

 Si creo que los tiempos cambian y toda la obra es la hija de su tiempo, pero considero que siempre habrán unos criterios mínimos y valores que determinarán ciertas cosas, y no todas podrán ser únicas y especiales. Y por haber llegado a la modernidad no se debería de aceptarse cualquier invento como arte. 

 En definitiva Jeff Koons  me resulta como un ejemplo calculador, aprovechado e indecente del panorama artístico del s.XX. 

Arnulf Rainer

 «Quiero reproducirme concentrado. Lo que era, lo que soy, lo que seré. Lo que podría ser… Mi trabajo es una polémica personal del artista para ejemplificar la apertura y ampliación de la persona humana».

Arnulf Rainer, Baden, Austria (1929)

Rainer atravesado por diferentes tendencias durante su vida y ligado al accionismo vienes, y finalmente a los cincuenta encuentra su lugar y el apogeo en su obra. sus Übermalungen, es decir, «pinturas recubiertas. Su preocupación por el cuerpo es ya de muy principios de los sesenta, y se ha concretado sobre todo en sus célebres Autoexpresiones o Autorrepresentaciones, en las que a través del estudio de su fisonomía torturada y flagelada, analiza las tensiones de su entorno, para descubrir las personalidades desconocidas que anidan en su subconsciente. Partiendo de experiencias con alucinógenos y del interés por la expresión artística de los enfermos mentales, Rainer tacha con gruesas líneas y trazos negros su rostro fotografiado.

Artistas

Aunque el primer Manifiesto del cuerpo en el arte se publicó el dia 20 de diciembre en el año 1972 aquí quiero destacar una serie de artistas a lo largo del s.XX los cuales utilizaron o siguen utilizando el cuerpo humano como la principal herramienta en sus obras:

  

YVES KLEIN

 

 Yves Klein,Niza ( 1928-1962), conocido por sus “performance” con una o varias modelos, embadurnadas estas con pintura azul. Donde se restregaban contra el lienzo que se situaba tanto en el suelo, como apoyado en la pared. Todo el espectáculo bajo la música monocorde compuesta por él mismo y donde Klein guiaba los pinceles humanos por el lienzo. Este artista mantenía una postura bastante espiritualista. De hecho su obsesión por el azul ultramar está basada en la filosofía ligada a zen así como el cuerpo que lo consideraba como un receptor de energía.

PIERO MANZONI

Piero Manzoni, Cremona, Italia ( 1933- 1963), 

"El arte vivo es la aventura de lo real. El artista enseñará a ver no con el cuadro sino con el dedo. Enseñará a ver nuevamente aquello que sucede en la calle. El arte vivo busca al objeto, pero al objeto encontrado lo deja en su lugar, no lo transforma, no lo mejora, no lo lleva a la galería de arte. El arte vivo es contemplación y comunicación directa. Quiere terminar con la premeditación que significa la galería y la muestra. Debemos meternos en contacto directo con los elementos vivos de nuestra realidad. Movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares y situaciones" .

En el año 1961 este artista italiano expuso su “ Escultura viviente”. Dando así un nuevo sentido del cuerpo en el arte. Influenciado por Marcel Duchamp, Manzoni durante toda su carrera artística combina lo físico/humano y lo artístico/ eterio.

JOSEPH BEUYS

 Joseph Beuys, Krefeld, Alemania ( 1921-1986 ). Con diecisiete años es reclutado por las juventudes hitlerianas y más tarde como piloto de bombardero de la Lutwaffe es destinado al frente ruso hasta que en 1943 se estrella en Crimea, donde una tribus de tártaros lo recoge y lo salva utilizando para ello el fieltro y la grasa. Desde aquel momento el fieltro y la grasa serán protagonistas de la mayoría de sus trabajos. Resulta atraído por FLUXUS,. Beuys desarrolló un trabajo bastante complejo y de un enmarcado conceptual. Sus obras reflejan su vida propia, donde el hecho de sobrevivir en Rusia gracias a la tribu que lo salvó se vuelve en una obra artística la que revive en todos sus trabajos.

GILBERT & GEORGE

Gilbert & George, Austría ( 1942) e Inglaterra ( 1943). Se trata del  “arte de provocar”  donde lo privado se convierte en lo público. Usaban un lenguaje publicitario y el diseño industrial, una mezcla del arte religioso y de culto pagano, de imágenes totémicas y colores vivos, de mensajes directos, poco sutiles. Fotografías, posters y vídeos como aquellos en los que sólo se les veía fumar durante media hora, sin hacer nada más. También suelen mezclar temas como la religión, la sodomía, el desprecio, idolatría, el insulto, la fornicación y la herejía.

La imagen expuesta representa una de las performance que hicieron y en este caso

se consideran a sí mismos como "esculturas de vida". Se niegan a desvincularse de su arte y  de su vida cotidiana, insistiendo en que todo lo que hacen es arte. 

MUJERES:

MARINA ABRAMOVICH

Marina Abramovich, Belgrado, Yugoslavia (1946). “Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora.”

En este caso junto con su pareja Ulay realiza un viaje hacía la  inrospección, a través de la meditación, concentración y la experimentación del tiempo. Abramovich trata los limites psíquicos colocándose ella y su pareja, totalmente desnudos, en la entrada de una estación del tren. El espectador tiene que pasar entre ellos. Ello crea una especie de reflexión por parte del público donde se consigue  a la perfección una concentración en el ahora por la que la artista aspira tanto.

ESTHER FERRER

Esther Ferrer, San Sebastián, (1937). La obra de Esther caracteriza por un minimalismo metódico, en el que los objetos cotidianos y su propio cuerpo se convierten en los principales elementos de su obra. En 1967 se unió al Grupo Artístico ZAJ junto con Juan Hidalgo y Walter Marchetti. Este grupo formado en la Península española y en concreto en Cataluña muestra una posibilidad llevada a la práctica, un “querer”, un punto de mira. Ajeno al “ceremonial” del arte como p.ej lo observamos en Hermann Nitsch, y con la voluntad de no ser ni doctoral, ni magistral, al interesarle más su propia “experiencia” que una actividad puramente estética.   

ANA MENDIETA

Ana Mendieta (La Habana, 1948-1985),representante que no podemos obviar en este análisis del uso del cuerpo como instrumento principal del discurso. Ella alude a la sangre convirtiéndola en parte esencial de su obra, dotándola de una simbología que va desde lo mágico y poderoso, pasando por la religión y la tradición. La sangre animal es utilizada en muchas ocasiones vinculada a la significación de su obra con la naturaleza, realizando rituales de purificación como si de un sacrificio se tratara. 

SHIRIN NESHAT

Shirin Neshat,(Azvin,Irán 1957). Hace referir esas identificaciones de lo que supone el Ser dentro de una sociedad y la manera en que lo condicionan, en este caso a través de represiones que la figura femenina soporta dentro de su cultura. Ella evidencia esta huella de una manera literal al aplicar estos signos identificativos (fragmentos del Corán) directamente en su cuerpo.

GINA PANE

Gina Pane, Biarritz, Francia (1939-1990).

 En la  Acción sentimental (1973)se corta la palma de la mano izquierda con una cuchilla de afeitar dejando correr su sangre y clavándose espinas de rosas, simulando así que su mano es el tallo de la rosa . A lo que se refiere aquí la artista es ir más allá de la representación femenina, en este caso con constantes alusiones a la vida y la muerte, a la vez que al mutilar su cuerpo parece desprenderse del interés por la perfección corporal vigente en las exigencias sociales.

CINDY SHERMAN

Cindy Sherman,  New York ( 1956).Con su serie fotográfica "Untitled" del año 2000. La serie está formada por nueve personajes ficticios, representados por mujeres de "cierta edad" que aparecen vestidas, bronceadas y maquilladas de forma excesiva. Pechos de plástico, pelucas, uñas postizas son algunos de los elementos que inundan estas fotografías.  Estos retratos a todo color nos intentan mostrar el desafío o negación que hace la mujer al paso del tiempo. También de una manera más individualizada, nos enseña las pequeñas decepciones y tragedias sufridas por las mismas con el transcurso de su historia.

   Esta serie es sin duda una crítica a toda esa idea preconcebida de la mujer como ser perfecto que no envejece y que no se estropea con el paso del tiempo, es una crítica asociada a todas las operaciones estéticas, cremas, tratamientos y demás formas de rejuvenecimiento que se somete la mujer para hacer frente a esa idea de perfección y juventud.

EL ACCIONISMO VIENES:

Un intento de fusión de la acción artística con la vida. Se trata de los artistas "Action" que tuvieron su prolongación europea en el "Aktionismus" austriaco que ahondaba en dirección al inconsciente colectivo. Comenzando alrededor de los Sesenta un grupo de artistas vieneses exploraban temas freudianos de violencia erótica en actuaciones ritualísticas utilizando material corporal como sangre, semen, y carne. Entre ellos: Günter Brus, Otto Müehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzcogner.

GUNTER BRUS

OTTO MUEHL

HERMANN NITSCH

RUDOLF SCHVARZKOGNERR