Aunque el primer Manifiesto del cuerpo en el arte se publicó el dia 20 de diciembre en el año 1972 aquí quiero destacar una serie de artistas a lo largo del s.XX los cuales utilizaron o siguen utilizando el cuerpo humano como la principal herramienta en sus obras:
YVES KLEIN
Yves Klein,Niza ( 1928-1962), conocido por sus “performance” con una o varias modelos, embadurnadas estas con pintura azul. Donde se restregaban contra el lienzo que se situaba tanto en el suelo, como apoyado en la pared. Todo el espectáculo bajo la música monocorde compuesta por él mismo y donde Klein guiaba los pinceles humanos por el lienzo. Este artista mantenía una postura bastante espiritualista. De hecho su obsesión por el azul ultramar está basada en la filosofía ligada a zen así como el cuerpo que lo consideraba como un receptor de energía.
PIERO MANZONI
Piero Manzoni, Cremona, Italia ( 1933- 1963),
"El arte vivo es la aventura de lo real. El artista enseñará a ver no con el cuadro sino con el dedo. Enseñará a ver nuevamente aquello que sucede en la calle. El arte vivo busca al objeto, pero al objeto encontrado lo deja en su lugar, no lo transforma, no lo mejora, no lo lleva a la galería de arte. El arte vivo es contemplación y comunicación directa. Quiere terminar con la premeditación que significa la galería y la muestra. Debemos meternos en contacto directo con los elementos vivos de nuestra realidad. Movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares y situaciones" .
En el año 1961 este artista italiano expuso su “ Escultura viviente”. Dando así un nuevo sentido del cuerpo en el arte. Influenciado por Marcel Duchamp, Manzoni durante toda su carrera artística combina lo físico/humano y lo artístico/ eterio.
JOSEPH BEUYS
Joseph Beuys, Krefeld, Alemania ( 1921-1986 ). Con diecisiete años es reclutado por las juventudes hitlerianas y más tarde como piloto de bombardero de la Lutwaffe es destinado al frente ruso hasta que en 1943 se estrella en Crimea, donde una tribus de tártaros lo recoge y lo salva utilizando para ello el fieltro y la grasa. Desde aquel momento el fieltro y la grasa serán protagonistas de la mayoría de sus trabajos. Resulta atraído por FLUXUS,. Beuys desarrolló un trabajo bastante complejo y de un enmarcado conceptual. Sus obras reflejan su vida propia, donde el hecho de sobrevivir en Rusia gracias a la tribu que lo salvó se vuelve en una obra artística la que revive en todos sus trabajos.
GILBERT & GEORGE
Gilbert & George, Austría ( 1942) e Inglaterra ( 1943). Se trata del “arte de provocar” donde lo privado se convierte en lo público. Usaban un lenguaje publicitario y el diseño industrial, una mezcla del arte religioso y de culto pagano, de imágenes totémicas y colores vivos, de mensajes directos, poco sutiles. Fotografías, posters y vídeos como aquellos en los que sólo se les veía fumar durante media hora, sin hacer nada más. También suelen mezclar temas como la religión, la sodomía, el desprecio, idolatría, el insulto, la fornicación y la herejía. La imagen expuesta representa una de las performance que hicieron y en este caso
se consideran a sí mismos como "esculturas de vida". Se niegan a desvincularse de su arte y de su vida cotidiana, insistiendo en que todo lo que hacen es arte.
MUJERES:
MARINA ABRAMOVICH
Marina Abramovich, Belgrado, Yugoslavia (1946). “Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora.”
En este caso junto con su pareja Ulay realiza un viaje hacía la inrospección, a través de la meditación, concentración y la experimentación del tiempo. Abramovich trata los limites psíquicos colocándose ella y su pareja, totalmente desnudos, en la entrada de una estación del tren. El espectador tiene que pasar entre ellos. Ello crea una especie de reflexión por parte del público donde se consigue a la perfección una concentración en el ahora por la que la artista aspira tanto.
ESTHER FERRER
Esther Ferrer, San Sebastián, (1937). La obra de Esther caracteriza por un minimalismo metódico, en el que los objetos cotidianos y su propio cuerpo se convierten en los principales elementos de su obra. En 1967 se unió al Grupo Artístico ZAJ junto con Juan Hidalgo y Walter Marchetti. Este grupo formado en la Península española y en concreto en Cataluña muestra una posibilidad llevada a la práctica, un “querer”, un punto de mira. Ajeno al “ceremonial” del arte como p.ej lo observamos en Hermann Nitsch, y con la voluntad de no ser ni doctoral, ni magistral, al interesarle más su propia “experiencia” que una actividad puramente estética.
ANA MENDIETA
Ana Mendieta (La Habana, 1948-1985),representante que no podemos obviar en este análisis del uso del cuerpo como instrumento principal del discurso. Ella alude a la sangre convirtiéndola en parte esencial de su obra, dotándola de una simbología que va desde lo mágico y poderoso, pasando por la religión y la tradición. La sangre animal es utilizada en muchas ocasiones vinculada a la significación de su obra con la naturaleza, realizando rituales de purificación como si de un sacrificio se tratara.
SHIRIN NESHAT
Shirin Neshat,(Azvin,Irán 1957). Hace referir esas identificaciones de lo que supone el Ser dentro de una sociedad y la manera en que lo condicionan, en este caso a través de represiones que la figura femenina soporta dentro de su cultura. Ella evidencia esta huella de una manera literal al aplicar estos signos identificativos (fragmentos del Corán) directamente en su cuerpo.
GINA PANE
Gina Pane, Biarritz, Francia (1939-1990).
En la Acción sentimental (1973)se corta la palma de la mano izquierda con una cuchilla de afeitar dejando correr su sangre y clavándose espinas de rosas, simulando así que su mano es el tallo de la rosa . A lo que se refiere aquí la artista es ir más allá de la representación femenina, en este caso con constantes alusiones a la vida y la muerte, a la vez que al mutilar su cuerpo parece desprenderse del interés por la perfección corporal vigente en las exigencias sociales.
CINDY SHERMAN
Cindy Sherman, New York ( 1956).Con su serie fotográfica "Untitled" del año 2000. La serie está formada por nueve personajes ficticios, representados por mujeres de "cierta edad" que aparecen vestidas, bronceadas y maquilladas de forma excesiva. Pechos de plástico, pelucas, uñas postizas son algunos de los elementos que inundan estas fotografías. Estos retratos a todo color nos intentan mostrar el desafío o negación que hace la mujer al paso del tiempo. También de una manera más individualizada, nos enseña las pequeñas decepciones y tragedias sufridas por las mismas con el transcurso de su historia.
Esta serie es sin duda una crítica a toda esa idea preconcebida de la mujer como ser perfecto que no envejece y que no se estropea con el paso del tiempo, es una crítica asociada a todas las operaciones estéticas, cremas, tratamientos y demás formas de rejuvenecimiento que se somete la mujer para hacer frente a esa idea de perfección y juventud.
EL ACCIONISMO VIENES:
Un intento de fusión de la acción artística con la vida. Se trata de los artistas "Action" que tuvieron su prolongación europea en el "Aktionismus" austriaco que ahondaba en dirección al inconsciente colectivo. Comenzando alrededor de los Sesenta un grupo de artistas vieneses exploraban temas freudianos de violencia erótica en actuaciones ritualísticas utilizando material corporal como sangre, semen, y carne. Entre ellos: Günter Brus, Otto Müehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzcogner.
GUNTER BRUS
OTTO MUEHL
HERMANN NITSCH
RUDOLF SCHVARZKOGNERR
